Due i pezzi della serata per tre protagonisti. Il primo pezzo è Conjurer, concerto per percussioni e orchestra del compositore newyorchese John Corigliano, premio Oscar per la colonna sonora del film The Red Violin, autore delle musiche del film di Ken Russell Stati di Allucinazione nonché della Sinfonia n. 1, dedicata ad amici e amanti scomparsi a causa dell’AIDS, che gli è valsa il Grawemeyer Award ed è stata eseguita da più di 150 orchestre in tutto il mondo e incisa già due volte.

Martin Grubinger

Alle percussioni, a dare il titolo alla serata, il primo protagonista: Martin Grubinger, classe 1983, ragazzo prodigio già assunto in pianta stabile dai Wiener Philharmoniker e messo sotto contratto dalla Deutsche Grammophon, definito dal quotidiano tedesco Die Welt come “musicista che nasce una volta ogni cento anni”, riesce a passare con disinvoltura dalla marimba (sua grande specialità) allo xilofono, al tam tam, ai cembali, al vibrafono, ai tamburi, ai timpani, alle grancasse, ai rullanti, insomma a qualsiasi strumento con superficie percuotibile e non solo, visto che durante il bis si mette a suonare il pavimento del palco con i piedi, mentre con le mani, con le braccia e con la testa bacchetta un rullante tra acrobazie e risate. Prima del bis spiega, in perfetto inglese: «ogni tanto qualcuno mi chiede “ma quella che fai è musica?” e allora io rispondo sempre “no, è solo sport!”». A parte la simpatia, il giovane tiene praticamente appeso il pubblico a ogni singola nota, passando agilmente da soffici tocchi ovattati sui legni a ritmi frenetici sui metalli, per terminare con un sapiente uso di gomito, dita e gambe sulle pelli, nel movimento finale del Concerto.

Il secondo protagonista della serata è il Direttore, il non ancora quarantenne Philippe Jordan, Music Director dell’Opéra National de Paris a partire dalla stagione 2009/2010, alle spalle debutti al MET e alla Royal Opera House, un contratto di cinque anni già firmato per i Wiener Symphoniker a partire dal 2014. Dopo aver egregiamente diretto l’orchestra nel Concerto per percussioni, si cimenta nell’altalenante Sinfonia n. 10 di Shostakovich, descritta in questo modo nel libretto di presentazione dell’evento curato dall’auditorium: «eseguita per la prima volta nel dicembre del 1953, fu la testimonianza musicale del più libero clima culturale sovietico dopo la morte di Stalin avvenuta nel marzo di quell’anno».

Il direttore Philippe Jordan

Il Direttore riesce splendidamente nell’opera, complice il terzo protagonista della serata: l’orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia che negli ultimi anni, diretta con caparbietà dal Direttore stabile Antonio Pappano nonché rinvigorita grazie al robusto apporto di grandi direttori provenienti da  tutto il mondo, può ormai essere paragonata senza tema di sfigurare alle migliori e più blasonate orchestre europee.

Il nuovo album di Peter Gabriel s’intitola New Blood ed è stato distribuito nei negozi lo scorso 11 ottobre, a nove anni esatti dal modesto Up. Tutti ci saremmo aspettati volentieri un disco di inediti, una nuova impronta sulla strada di questo artista gentiluomo. Eppure quest’ultima fatica discografica (che di certo non deve aver stillato litri di sudore dalla fronte del proprio autore) non lascia nulla all’immaginazione. Coadiuvato da John Metcalfe, Gabriel sforna un (ennesimo) greatest hits dove dodici brani storici del suo repertorio sono arrangiati in chiave orchestrale. Rigorosamente senza batteria e chitarre, quest’opera si pone sulla falsariga di Scratch My Back dello scorso anno dove il compositore interpretò altrettanti dodici brani di vari artisti sempre trasfigurati per voce e orchestra, e del quale questo nuovo lavoro sembra la complementare (e purtroppo scontata) prosecuzione. C’è da dire, a onor del vero, che la selezione delle tracce è stata operata in maniera davvero accorta, dal momento che a costituire la tracklist risultano canzoni fortunosamente predisposte per una nuova veste orchestrale. Tuttavia rimane quel pizzico di malcontento nel non captare quell’energica e tanto famigliare vitalità, soprattutto ritmica, che l’orchestra diretta da Ben Foster non ha modo di restituire. Non a caso Intruder e Red Rain sono i pezzi più deboli di questo lavoro. Non si tratta di essere puristi, nostalgici o conservatori. Abissale è la differenza fra queste versioni, tanto revisionate quanto deflorate di tutta la loro linfa vitale, e gli straripanti, medesimi brani d’apertura di Peter Gabriel III e So. Anche pezzi decisamente più morbidi come In Your Eyes e Don’t Give Up perdono la loro struggente liricità, nonostante la piacevolissima sorpresa rappresentata dalla voce serafica di Ane Brun che quasi adombra la stessa Melanie Gabriel, figlia dello stesso Peter, anch’essa presente su quest’album.

Non è opportuno, tuttavia, sminuire questo lavoro: le partiture lungo le quali sono tessute le trame dei brani sono notevolmente complesse, vagamente stravinskiane, ma soprattutto ogni traccia è pateticamente lontana dall’originale. Occorre semplicemente ammettere che la produzione di Peter Gabriel è perfetta così com’è, difficilmente può tramutare in un dissimile organismo.

In una recente intervista Peter Gabriel ha dichiarato (senza troppo lamentarsene) che con Scratch My Back gli sarebbe piaciuto vendere più di Lady Gaga.

Forse con un album di inediti questo sarebbe stato possibile.

Forse.

Mala Tempora Currunt.

Daniele Vogrig

Biophilia è un album scarno ed essenziale: ha tutta l’aria di essere una bozza, e sarebbe interessante paragonarlo ad un “non finito” michelangiolesco[1], se non balenasse il sospetto che Björk non vi abbia effettivamente dedicato abbastanza tempo. L’album, infatti, sarebbe dovuto uscire il 27 settembre, ma è stato posticipato perché l’artista ha deciso di apportare delle modifiche last-minute per conferire al suono «più carne e calore»[2] . A conti fatti, le migliorie si sono rivelate pressoché irrilevanti: qualche beat anti-noia qua e là (Hollow e Sacrifice) e suoni attutiti (il gameleste di Virus e il Tesla Coil di Thunderbolt, scelte discutibili e che hanno fatto storcere il naso a parecchi fan che avevano ascoltato le versioni precedenti dal vivo). L’essenzialità di Biophilia non ha nulla a che vedere con quella di Medùlla (2004), in cui Björk, servendosi della sola voce umana, è riuscita a confezionare autentici capolavori di composizione: piuttosto sembrerebbe trattarsi di trascuratezza nei dettagli, imperdonabile per un’artista che ci ha abituati all’approccio maniacale verso la musica in ogni suo aspetto. Questo, infatti, si riflette anche nell’artwork e nei video, dall’aspetto insolitamente cheap (in particolare la cover, baroccheggiante e priva della potenza iconografica di quelle del passato, per la quale non sono state impiegate troppe energie: è stata semplicemente scelta una delle foto del servizio su Crystalline, a scapito del senso dell’album nella sua totalità), così come in alcune sviste di produzione (nella versione live di Thunderbolt, presente nell’edizione “manual”, si sente addirittura il fischio del microfono; ancora in questa edizione, inoltre, viene riproposta la stessa versione di Solstice ascoltabile nell’album).

 L’impressione è che Björk abbia presentato un prodotto al quale doveva ancora lavorare, forse anche a causa di scadenze imposte dalla casa discografica, sprecando così le potenzialità che tali “bozze” potevano offrire. In particolare, sono brani come Mutual core, il più amato dai fan, Solstice e Cosmogony a risentire maggiormente di arrangiamenti poco curati, perdendo così la possibilità di diventare veri e propri classici della discografia bjorkiana.

Ciò che sembra saldo e potente è invece il concept: i testi, in alcuni casi scritti a quattro mani col poeta islandese Sjón, si possono apprezzare anche senza conoscerli nella loro trasposizione musicale. Questo, evidentemente, perché Björk si è concentrata con più entusiasmo sull’idea che su tutto il resto: i maligni dicono si tratti di un atteggiamento mutuato dal suo cervellotico compagno di vita, l’americano Matthew Barney, osannato dalla critica per la ricchezza di colti rimandi nella sua arte.

A perderci è anche l’interpretazione vocale, spesso fredda, a volte annoiata, priva di quel “graffio” che l’ha contraddistinta per anni. Le eccezioni, tuttavia, non mancano, e sono tra le più felici: in Virus e Sacrifice la cantante abbandona finalmente le vesti di provetta scienziata e racconta di se stessa, delle sue paturnie, lasciandosi scrutare nel cuore.
Björk, in fondo, la si può apprezzare appieno solo quando si mostra per ciò che realmente è: una semplice, immensa donna, non una pensatrice dalle buffe parrucche.

È tornato uno degli artisti più esplosivi del panorama italiano: Michele Salvemini in arte Caparezza ha pubblicato il nuovo album Il sogno eretico.

Uscito il primo marzo, contiene sedici tracce indirizzate verso un concetto unico: la teatralità del disco e le connessioni tra un brano e l’altro viaggiano verso un inno all’eresia religiosa e culturale. Come spiega lo stesso Caparezza nelle interviste di presentazione al disco (viene sempre accompagnato da un boia in carne ed ossa), “Io mi sento eretico nel senso che adoro scardinare i dogmi, siano essi religiosi, politici o sociali”.

Nessun dorma (sample dell’interpretazione di Beniamino Gigli) e Tutti dormano sono una vera e propria introduzione in stile Caparezza del disco.

Chi se ne frega della musica dal ritornello accattivante punta il dito sull’ipocrisia del mondo della musica e sui personaggi che lo frequentano. Il dito medio di Galileo e Sono il tuo sogno eretico sono il fulcro del disco: in particolare l‘ultima, dal ritmo medievaleggiante, rende omaggio a tre grandi eretici del passato (Giovanna d’Arco, Girolamo Savonarola e Giordano Bruno) utilizzando la loro figura come contenitore della satira sociale, sempre azzeccata e fine.

Le musiche diventano cupe nel brano successivo, Cose che non capisco è strutturato come un quiz televisivo in cui il rapper di Molfetta risponde a suo modo ai maggiori temi di attualità; Goodbye Malinconia è il primo singolo estratto dall’album, accompagnato nel ritornello dall’inconfondibile e più che azzeccata voce di Tony Hadley, ex-leader degli Spandau Ballet.

La marchetta di Popolino, ispirata nell’arrangiamento dalla disneyana La marcia di Topolino, si rivela in realtà come la canzone più diretta sul piano della satira; La fine di Gaia è una semplice presa in giro sulla fine del mondo annunciata dai Maya: il brano serve però, nel finale, ad introdurre la traccia seguente House Credibility che mette in rilievo i rischi che una casa può avere.

L’introduzione di Kevin Spacey mette in guardia l’ascoltatore “Non per la politica dovete odiarmi/non per la voce nasale/ma per questo pezzo”, la mitraglia delle rime parte svelando i colpi di scena dei film più celebri: 3 minuti e 44 secondi di spoiler, quindi se non avete visto Shutter Island, Fight Club, L’enigmista e molti altri è meglio passare al brano successivo. Legalize the Premier prende spunto dal filone reggae delle canzoni di legalizzazione, lasciandoci intendere chi sia il suo bersaglio.

Messa in moto sembra essere la traccia meno riuscita del disco, ma il vuoto si riempie subito con Non siete stato voi: rime velenose e un testo affilato nel colpo di coda del disco; può sicuramente essere accostata a Eroe (storia di Luigi delle Bicocche) risultandone anche migliore. Le ultime due tracce La ghigliottina e Ti sorrido mentre affogo chiudono degnamente l’album.

Il risultato delle contaminazioni musicali, la fine goliardia e la non banalità dei testi fanno de Il sogno eretico davvero un ottimo album che va ad aggiungersi ad una discografia priva di significanti cali qualitativi.

Sono state confermate le date del tour in partenza: ci sarà sicuramente da apprezzare l’originalità dello show e la presenza sul palco di Caparezza, di cui è un vero maestro. Ma questo già lo sanno in molti, dato che la data prevista per il 18 marzo a Roma è andata in Sold Out prima dell’uscita del disco.

Possibili singoli

• Sono il tuo sogno eretico
  
• Il dito medio di Galileo
• Non sono stato voi
• Chi se ne frega della musica
  

Tracce

1. 1. Nessun dorma
   
2. 2. Tutti dormano
   
3. 3. Chi se ne frega della musica
   
4. 4. Il dito medio di Galileo
   
5. 5. Sono il tuo sogno eretico
   
6. 6. Cose che non capisco
   
7. 7. Goodby Malinconia
   
8. 8. La marchetta di Popolino
9. 9. La fine di Gaia
10. 10. House Credibility
11. 11. Kevin Spacey
12. 12. Legalize the Premier
13. 13. Messa in moto
14. 14. Non siete stato voi
15. 15. La ghigliottina
16. 16. Ti sorrido mentre affogo
    

(Universal), 2011, Alternative-rap

Otto tracce in tutto per circa 35 minuti di musica; secondo disco autoprodotto, dopo lo scioglimento del contratto con la prestigiosa etichetta Parlophone, uscirà in tre date diverse: il 18 febbraio come download digitale in MP3 e WAV, il 18 marzo in CD e vinile ed infine il 9 maggio sarà rilasciata la versione definita “newspaper edition” che contiene due vinili da 10 pollici, il CD, un poster ed altri 625 piccoli gadget artistici. Si può acquistare l’album sul sito ufficiale della band.

Partendo dal presupposto che la musica dei Radiohead o piace o non piace, il disco non è sicuramente semplice, le sonorità sono quelle più pure dei Radiohead: musica elettronica e rock ipnotico. I testi, scarni, danno più risalto all’inconfondibile falsetto di Thom Yorke che al messaggio.

L’inizio dell’album è affidato a Bloom, che fa intuire subito la difficoltà del disco, trascinando l’ascoltatore in un loop ipnotico accompagnato dalla flebile voce di Yorke; il ritmo del disco si alza con Morning Mr.Magpie, traccia dal beat avvolgente e con Little by Little, forse il brano più riuscito dell’album. La ricaduta successiva di Feral, a livello musicale è netta: le percussioni prendono il sopravvento sostituendo le parole come traino portante dei voli pindarici di Yorke e co.; Lotus Flower è il primo singolo, anticipato il 14 febbraio sul sito della band con relativo video.

La nuova ricaduta è attutita dalla leggerezza di Codex, brano che culla l’ascoltatore verso laghi limpidi e nella calma della solitudine (“Sleight of hand/Jump off the end/into a clear lake/No one around”). Give up the ghost, basata su un giro folk di chitarra acustica, incanta nella sua reiterazione del verso “In your arms (Don’t hurt me)”. La trance creata dai due brani precedenti s’interrompe con l’ultima traccia, Separator, che lascia una promessa “If you think this is over/then you’re wrong”.

Merita attenzione anche la copertina dell’album, disegnata come tutti i precedenti album da Stanley Donwood: la collaborazione dell’artista inglese con i Radiohead, questa volta trae ispirazione dall’ambientazione delle fiabe nord-europee, in particolare dalle creature dei boschi presenti in Cappuccetto Rosso, Hansel & Gretel e La bella addormentata.

L’album non è certamente il loro migliore: il passaggio dalle sonorità pop-rock e morbide di In Rainbows è netto, The King Of Limbs riavvicina il gruppo inglese ai loro primi album senza mai, però, scioccare l’ascoltatore. Sono lontane le atmosfere create dall’ottimo lavoro di The Bends (Parlophone, 1995) e dal capolavoro Ok Computer (Parlophone, 1997), l’innovazione continua a venire dal rapporto tra la band e la distribuzione dei dischi piuttosto che dalla musica; l’album non è omogeneo e i sali-scendi a livello del ritmo si sentono fin troppo, tranne che per un paio di tracce sembra un disco di b-side; rimane come una piccola macchia sulla pur sempre fantastica discografia dei Radiohead.

Possibili singoli

• Little by Little
• Codex

Tracce

1. 1. Bloom
2. 2. Morning Mr. Magpie
3. 3. Little by little
4. 4. Feral
5. 5. Lotus Flower
6. 6. Codex
7. 7. Give up the ghost
8. 8. Separator

(Autoprodotto), 2011, Alternative-rock

Il gruppo ritorna quindi con questo Hardcore will never die, but you will, in cui, bisogna ammetterlo sin da subito, il discorso fatto finora non cambia: non è certo nelle corde dei Mogwai la tendenza a cambiare repentinamente rotta. Dicevamo in precedenza come la linea evolutiva del gruppo rasenti lo zero, se intendiamo con questa un tentativo di apportare sostanziali modifiche ad un suono pur così particolare e caratteristico (e che li ha resi unici e irripetibili nello stesso calderone post-rock in cui, a ragione o torto, sono stati inseriti). C’è un però, e questo consiste in una dote decisamente non propria a ogni gruppo: “l’ennesimo, uguale disco dei Mogwai” risulta miracolosamente sempre nuovo e godibile; anzi, è forse qui che si intravedono i segni di una maturità compositiva raggiunta da tempo ma che in questo ultimo lavoro trae le somme della loro carriera:White Noise infila la solita, semplice, memorabile linea di chitarra “alla Mogwai”, per poi dispiegarsi in stratificazioni sonore che ampliano, semplicemente e magicamente, il loro raggio compositivo; la frase chitarristica, dal proprio epicentro, si espande progressivamente, fino ad un climax trionfale di distorsioni, rumore, melodia e lirismo. Cambiando gli addendi il risultato non cambia: Death Rays e Letters to the Metro intonano semplici, geniali riff , stavolta di piano (di uno stupendo lirismo), per giungere alla stessa orgia sonora di cui si parlava pocanzi. Gli esiti, neanche a dirlo, sono come sempre stupefacenti. Anche laddove, come in Mexican Grand Prix, sono i beat elettronici a dominare, la sensazione è sempre quella di essere davanti ad un ascolto che, pur nella sua complessità compositiva (specialmente nel rendere armonioso e funzionale l’uso delle tre chitarre), risulta godibile e mai ridondante: tutti segni di un ottimo invecchiamento. In conclusione, ha ragione chi sostiene che l’ennesimo disco dei Mogwai è uguale agli altri. Ma a farne di dischi così!

Il disco, nato in un momento delicato della vita di Lorenzo (la morte dell’affezionata madre), è stato anticipato dal singolo Tutto l’amore che ho ed è formato da quindici tracce che diventano venticinque nei due CD della versione deluxe.

Il percorso che ha portato Jovanotti alla composizione di Ora parte quattro anni dopo l’uscita di uno dei suoi migliori album (pluripremiato cui ha fatto seguito un tour con diverse date anche negli Stati Uniti) e si conclude quattro mesi fa con la scomparsa della madre: ”Ho fatto questo disco insieme a lei, facendo avanti e indietro tra studio e ospedale, perciò ho sentito l’esigenza di un disco che mi facesse prima di tutto ballare”, un disco ”liberatorio”, nato ”per far star bene le persone”, così Lorenzo definisce l’album presentato il 25 gennaio.

Spiegato il motivo di tanta elettronica, l’apertura del disco è consegnata a Megamix, più intro che traccia vera e propria; Tutto l’amore che ho racchiude il sound dance ed elettronico dell’intero album. Come ogni opera di Jovanotti che si rispetti è presente la classica ballata, Le tasche piene di sassi, dalla melodia di soli piano e archi; la delicata atmosfera che crea il brano è annientata dalla traccia successiva: Amami è forse la canzone più dance dell’intero album.

Il fulcro del disco sta nelle due tracce successive. Ora e Il più grande spettacolo dopo il Big Bang rappresentano sia per il testo, che per le musiche il messaggio che Lorenzo intende dare al suo lavoro: la prima è strutturata come un elenco di supposizioni semi-catastrofiche, ma che nel ritornello rianima la vita ed il piacere di viverla, mentre la seconda è una sorta di Ombelico del mondo, davvero tanta energia, schitarrate ed un testo semplice ma positivo.

L’altra ballata del disco è L’elemento umano, di cui esiste nel secondo CD una versione acustica sicuramente migliore di quella rilasciata nel semplice disco singolo; proseguendo l’ascolto, si incontra La bella vita, in collaborazione con Amadou & Mariam, che riprende quel filone di canzoni etniche ormai presenti da diversi anni nei dischi di Jovanotti. Le tracce che seguono (Battiti di ali di farfalla, Io danzo e La notte dei desideri) sono molto dance, giocano su beat e sintetizzatori accompagnate da testi molto semplici ma sempre positivi e vitali.

Quando sarò vecchio non si rispecchia in nessun brano precedente della carriera artistica di Lorenzo, canzone davvero bella che incuriosisce nelle parole (tracce di antimilitarismo e storie di vita vissuta) e nelle musiche (un leggero ska) che la fanno assomigliare alle chanson francesi rendendola degno omaggio.

Sul finire del disco si riprende fiato con Un’illusione (la ballata meno riuscita delle tre presenti), prima di chiudere con La porta è aperta e Rosso d’emozione altre tracce tutte da ballare.

Il secondo disco è quasi per intero (tranne che per la versione acustica de L’elemento umano) un disco di musica elettronica, sembra a sé stante, risulta anche stancante in alcuni momenti. Da segnalare I pesci grossi (in cui Cesare Cremonini ricambia la collaborazione con Jovanotti con un sample di Mondo) e Sulla frontiera, continuum di Io danzo.

Nel complesso, il disco va ascoltato più di una volta per trovarci qualcosa di più profondo sia a livello musicale che lirico, oltre all’intento di voler far ballare; la disposizione delle tracce inizia ad assumere una conformazione autonoma ed un certo filo logico musicale. Le aspettative dopo Safari erano alte e, purtroppo, l’uscita di Ora non sazia a sufficienza le orecchie dei fans.

Nel frattempo sono pronte le date e le informazioni sul tour in partenza ad aprile che toccherà le maggiori città italiane facendo capolino anche in Svizzera.

Possibili singoli

• Le tasche piene di sassi
• Ora
• L’elemento umano
• Il più grande spettacolo dopo il Big Bang
  

Tracce

CD1

1. 1. Megamix

1. 2. Tutto l’amore che ho

1. 3. Le tasche piene di sassi
   4. Amami
   5. Ora
   6. Il più grande spettacolo dopo il Big Bang
   7. L’elemento umano
   8. La bella vita
   9. Battiti di ali di farfalla
   10. Io danzo
   11. La notte dei desideri
   12. Quando sarò vecchio
   13. Un’illusione
   14. La porta è aperta
   15. Rosso d’emozione

CD2

1. 1. Spingo il tempo al massimo
2. 2. I pesci grossi
3. 3. Kebrillah
4. 4. La festa infinita
5. 5. Sulla frontiera
6. 6. Dabadabadance
7. 7. La medicina
8. 8. Sul lungomare del mondo
9. 9. Go!!
10. 10. L’elemento umano (acoustic)

(Universal), 2011, Pop/Dance/Elettronica

Il terzo album della band milanese è composto da materiale inedito o da brani che non hanno trovato posto nei dischi precedenti; non si tratta però di una compilation di b-side, il livello del disco è davvero alto: tra tutti spicca la seconda traccia Appuntamento al Contessa, brano inedito composto per la colonna sonora del nuovo film di Michele Placido dedicato al noto criminale Renato Vallanzasca (film in uscita in Italia il 21 gennaio). Altri brani sono tratti dalle colonne sonore di altri film: La polizia brasiliana si incazza per La Banda del Brasiliano di John Snellinberg, o per il documentario di Mike Malloy (Eurocrime) sui film italiani polizieschi anni Settanta (genere a cui i Calibro 35 devono la propria ispirazione musicale).

Altro brano facente parte di OST è quello contenuto nel telefilm, ormai cult, Romanzo Criminale a cui i Calibro 35 hanno dedicato Come un romanzo. La quinta traccia, L’uomo dagli occhi di ghiaccio, è tratta dalla compilation “Il paese è reale” progetto degli Afterhours; del gruppo di Manuel Agnelli, è presente anche una versione strumentale de I milanesi ammazzano il sabato: la collaborazione tra le due band gira attorno alla figura di Enrico Gabrielli, membro dei Calibro 35, con un passato proprio negli Afterhours.

Il disco si chiude con quattro brani in versione estesa di classici presenti nei due dischi precedenti.

Altra particolarità dell’album è la non reperibilità nei negozi di dischi, infatti sarà venduto solo ai concerti della band e sul loro sito ufficiale, come singolo CD o nel pacchetto contenente CD, maglietta, borsa di tela, mignon di liquore e spilletta (andato però già in sold-out).

Il gruppo continua a riscuotere successo (non a caso è toccato a loro aprire il concerto evento dei Muse a Milano lo scorso giugno), i fans continuano ad aumentare e le idee al gruppo non sembrano mancare: la definitiva consacrazione sembra quindi molto vicina.

Tracce:

1. Ballando in balera

2. Appuntamento al Contessa

3. E nessuno si farà del male

4. La polizia brasiliana si incazza

5. L’uomo dagli occhi di ghiaccio

6. Uomini si nasce Calibro si muore

7. Svolta sul caso D’Amario

8. Milano New York solo andata

9. Come un romanzo

10. La polizia sta a guardare

11. Trafelato (Extended Version)

12. Summertime Killer (Extended Version)

13. Notte in Bovisa (Alternate Take)

14. I Milanesi ammazzano il Sabato

15. Si dicono tante cose (Alternate Take)

Quasi se ne sentisse il bisogno, arriva l’ennesimo gruppo di musica elettronica, con l’ennesima voglia di stupirci e, probabilmente penserete a questo punto, con l’ennesimo tentativo, più o meno deprecabile, di acquisire consensi da certa critica musicale orientata, sciaguratamente, solo verso determinati orientamenti stilistici. Ebbene, i Darkstar (nati nel 2007 a Londra dall’incontro tra James Young e Aiden Whalley, a cui si è aggiunto alla voce nel 2010 James Buttery)  ci riescono alla grande.

Annunciato dagli addetti ai lavori come un lavoro che avrebbe rivoluzionato il mondo dub-step, in realtà North si presenta, a conti fatti, come un ottimo album d’esordio, composto da belle canzoni e che, tuttavia, non mantiene le azzardate promesse d’innovazione: chi scrive invita volentieri certi critici a calibrare determinate presentazioni trionfalistiche, pressochè ridicole e  volte esclusivamente ad eleggere a tutti i costi l’innovatore X del genere X (tendenza, va detto, ormai diffusissima in qualunque ambiente musicale che si frequenti). Tuttavia, poichè il momento artistico non è l’attenzione a questa o quella critica più o meno costruttiva ma l’afflato estetico (ed estatico) del musicista in un singolo momento, è innegabile riconoscere al trio una padronanza non comune del linguaggio electro-wave fatto proprio, negli anni Novanta, dal trip-hop di Portishead, Archive, Massive Attack e Tricky. Qui però l’elettronica dei bassifondi inglesi si unisce ad una piacevole vena pop, che non lesina momenti di puro lirismo (specialmente nella seconda parte del disco) e che risulta convincente e sincera. Il punto di forza dell’album, paradossalmente, sembra proprio essere il suo aver poco a che fare con l’ambiente dub (eccezion fatta per il singolo Aidi’s Girl is a Computer, unica anomalia stilistica, ma non per questo meno bella, di un disco pressochè omogeneo) e, al contrario, abbracciare determinate venature new wave di chiara marca ottantiana (le bellissime Gold e Deadness). Mai prolisso, North sa regalare un ascolto sorprendentemente piacevole anche laddove la matrice dub risulti invece preponderante (Two Chords e la title-track, uno dei vertici dell’album) e confermando, alla fine del disco, con le notevoli prove di Dear Heartbeat e When It’s Gone, quanto di ottimo si era detto su questo trio di Londra. Glaciale e romantico al tempo stesso, viaggio interiore nella nebbia che circonda l’anima, North ci ricorda come, in barba a qualsiasi critica musicale, l’obiettivo di un album sia quello di creare musica con la testa e suonarla con il cuore.

1. In The Wings
2. Gold
3. Deadness
4. Aid’s Girl is a Computer
5. Under One Roof
6. Two Chords
7. North
8. Ostkreuz
9. Dear Heartbeat
10. When It’s Gone
    

Voto: 7.5

Il disco, uscito il 28 settembre, venne annunciato a metà agosto nella pagina personale di Facebook di Neil Young e deve il proprio titolo ad un gioco di parole sul cognome del produttore stesso. L’omaggio è più che lecito: Lanois rende essenziale il suono dell’album, si ritrova qui quel Neil Young che mancava da anni, chitarra e voce. Non è certo ai livelli del primo Young: non c’è folk, neanche country, ma c’è la maestria compositiva dell’artista canadese che lavorando solo con la chitarra da il meglio di sé, quel suono poi viene passato attraverso le mille macchine usate da Lanois dando risultati che possono sembrare pressappochisti, ma che invece rivelano una cura  non indifferente del suono e della sua ricerca.

Lo spazio dedicato al sound dell’album non è stato uguale per la ricerca dei testi che, come spesso accade con Young, scivolano via facilmente, forse fin troppo; la voce è però fondamentale nelle otto tracce: modificata anch’essa, filtrata fino a diventare un loop ipnotico che serve anche da controcanto.

La scaletta elettronica delle canzoni viene interrotta alla quarta traccia (Love And War) e alla settima (Peaceful Valley Boulevard) con due canzoni acustiche degne del miglior Young vecchio stampo.

Il disco non si presenta facile al primo ascolto, nè ha ricevuto considerevoli segni d’apprezzamento, d’altronde è la classica trafila di tutti i capolavori.

(Reprise), 2010, Rock

Tracce:

1. Walk With Me
2. Sign Of Love
3. Someone’s Gonna Rescue You
4. Love And War
5. Angry World
6. Hitchhiker
7. Paceful Valley Boulevard
8. Rumblin’